Hay obras que no envejecen: esperan. Permanecen agazapadas en el repertorio hasta que una época vuelve a necesitarlas. ‘El jardín de los cerezos’, la última gran pieza de Antón Chéjov, regresa ahora al Teatro Fernán Gómez no como reliquia venerable, sino como advertencia. Bajo su melancolía de despedida, bajo ese temblor de mundo que se acaba, sigue latiendo una pregunta feroz: ¿Qué hacemos los seres humanos cuando comprendemos, demasiado tarde, que aquello que amábamos ya estaba perdido? En esta nueva producción, la respuesta no llega como tesis, sino como atmósfera, como herida lenta, como belleza escénica al borde de la demolición.
La propuesta dirigida por Juan Carlos Pérez de la Fuente, con versión de Ignacio García May, evita tanto la actualización epidérmica como el museo solemne. Lo que plantea es algo más difícil: un Chéjov de gran formato, respetuoso con la arquitectura del clásico pero plenamente consciente de su vibración contemporánea. La producción, propia del Fernán Gómez en colaboración con Octubre Producciones, reúne a trece intérpretes y una ficha artística muy cuidada, con escenografía firmada por el propio director junto a Isi Ponce, vestuario de Rosa García Andújar, iluminación de José Manuel Guerra, videoescena de Violeta Nêmec y movimiento escénico de Guillermo Weickert. Ese aparato no está al servicio del ornamento, sino de una idea muy precisa: mostrar que el derrumbe también puede tener una forma hermosa.
La escena se abre como si el teatro entero respirara con la obra
Uno de los mayores aciertos del montaje está en su manera de pensar el espacio. El Fernán Gómez pocas veces ha utilizado con tanto provecho la profundidad de su escenario: desde la frontalidad del primer término hasta el fondo de la caja, la escena se abre como si el teatro entero respirara con la obra. El primer acto se despliega en un cuarto de juegos expandido a lo ancho de la embocadura; después, la imagen se desnuda, cambia de temperatura, se vacía y deja que la luz y la distancia trabajen la sensación de intemperie. Esa amplitud, sumada a la coreografía de entradas, cruces y desplazamientos, le da al montaje una cualidad envolvente que roza por momentos lo inmersivo sin caer nunca en el truco.
En el centro del reparto, Carmen Conesa compone una Liuba Andréievna de gran inteligencia tonal. No la reduce a la dama arruinada ni la convierte en caricatura sentimental: la sostiene, más bien, en ese filo tan chejoviano entre la frivolidad, la evasión, el dolor y una forma casi infantil de negarse a aceptar la realidad. Su trabajo le da al personaje una densidad humana muy valiosa, porque bajo el gesto mundano y la nostalgia aparece también una mujer incapaz de gobernar su propia vida. A su lado, Marta Poveda, como Varia, introduce un contrapunto de contención y nervio, una energía más terrestre, más callada, que ayuda a poner cuerpo a todo lo que en esta familia no se dice pero pesa. El montaje se beneficia además del empuje de Chema León como Lopajin, figura decisiva del cambio de era.
Chéjov habla de personas desorientadas, perplejas y sin voluntad
Lo interesante es que esta puesta en escena no se limita a narrar la caída de una casa. Narra, sobre todo, la incapacidad de una clase para leerse a sí misma cuando la historia ya ha empezado a moverle el suelo bajo los pies. Ahí el montaje encuentra su nervio contemporáneo. Porque ‘El jardín de los cerezos’ sigue siendo una obra sobre el final de una era, sí, pero también sobre la ceguera voluntaria, sobre la pereza moral, sobre esa tendencia tan humana a llamar destino a lo que muchas veces no es más que pasividad. El propio material de presentación de la obra insiste en esa idea: Chéjov no habla solo de la Rusia de finales del XIX, sino de personas desorientadas, perplejas y sin voluntad para ejecutar aquello que saben necesario.
El jardín, hoy: nostalgia, propiedad y especulación
Quizá la clave más fértil para leer hoy esta obra esté en desconfiar de la nostalgia. El jardín no es solo belleza; también es herencia, privilegio y memoria idealizada de un orden social profundamente desigual. Algunas lecturas recientes del montaje han subrayado justamente eso: que la incomodidad de Chéjov no reside únicamente en ver perderse una finca hermosa, sino en contemplar cómo sus propietarios lloran un mundo que no examinan moralmente. El jardín, convertido en paraíso íntimo, corre el riesgo de blanquear el sistema de servidumbre y explotación que lo hizo posible. Y ahí la obra se vuelve mucho más punzante de lo que a veces se recuerda.
En ese sentido, esta producción acierta al no reducir a Chéjov a una melancolía elegante. Su grandeza nunca estuvo solo en la tristeza, sino en la mezcla: humor y herida, ligereza y catástrofe, ternura y diagnóstico. El jardín de los cerezos, estrenada en 1904 en el Teatro de Arte de Moscú y considerada una de las cumbres del teatro moderno, vuelve aquí como una obra que sigue preguntando por nuestra manera de habitar el cambio. No hay respuesta cómoda. Solo personajes que hablan, recuerdan, fantasean, aplazan. Y mientras tanto, fuera de escena o dentro de ella, alguien ya está afilando el hacha.
Este montaje logra despertar la obra de Chéjov
Hay montajes que ilustran un clásico y otros que consiguen despertarlo. Este ‘Jardín de los cerezos’ pertenece más bien a la segunda categoría. Por su ambición visual, por su reparto, por la forma en que utiliza el espacio y, sobre todo, por la claridad con que entiende que Chéjov no escribió una pieza sobre el ayer, sino sobre el instante exacto en que una sociedad descubre que ha confundido durante demasiado tiempo la memoria con la vida. En el Fernán Gómez, ese descubrimiento no suena remoto. Suena peligrosamente actual.
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